No Louvre Abu Dhabi, a arte começa muito antes de a primeira tela aparecer. Sob a extraordinária cúpula flutuante de Jean Nouvel – uma obra-prima arquitetônica que filtra a luz photo voltaic em uma hipnótica “chuva de luz” – os visitantes fazem uma pausa entre terraços voltados para o mar e passagens inspiradas na medina. As conversas oscilam entre a admiração pela coleção e a admiração pelo próprio edifício. Poucas instituições culturais conseguem criar uma atmosfera emocional tão imediata; menos ainda fazem a arquitetura parecer inseparável da arte que abriga.
A exposição reúne cerca de 60 importantes obras que exploram o fascínio de Picasso pela figura humana. | Crédito da foto: Neeta Lal
Isto é precisamente o que torna o Louvre Abu Dhabi único. Erguendo-se das águas da Ilha Saadiyat, como uma miragem cultural contemporânea, o museu reimagina o que uma instituição world pode ser – não apenas um repositório de obras-primas, mas um ponto de encontro entre o Oriente e o Ocidente, a antiguidade e a modernidade, a intimidade e a escala. Cada galeria se desenrola com precisão cinematográfica, cada corredor emoldurando o mar, o céu ou um feixe de luz cuidadosamente coreografado. É um museu, pensado não só para ser visitado, mas para ser sentido.
Então você entra Picasso, a Figura e de repente, o barulho desaparece.
Apresentada pelo Louvre Abu Dhabi, em colaboração com o Musée Nationwide Picasso-Paris e France Muséums, a exposição, patente até 31 de maio, marca um momento decisivo para o museu: a sua primeira exposição, inteiramente dedicada a Pablo Picasso, o artista que mais do que qualquer outro remodelou a linguagem da arte do século XX. Poucos momentos depois de entrar, um pensamento torna-se impossível de ignorar: esta exposição por si só parece valer a pena a viagem.
A virada de jogo
Falar de Picasso significa falar da própria arte moderna | Crédito da foto: Neeta Lal
Falar de Picasso significa falar da própria arte moderna. Poucos artistas alteraram o curso da cultura visible com tanta invenção, audácia e alcance. Ao longo de mais de sete décadas, Picasso recusou-se a ficar confinado a um único estilo, movimento ou meio. Ele pintou, esculpiu, esboçou, gravou, fez experiências com cerâmica e desmantelou convenções artísticas com intensidade destemida, apenas para reconstruí-las em algo inteiramente novo.
O que faz Picasso, a Figura atraente é a elegância com que captura a amplitude desse gênio. Esta não é apenas uma exposição sobre o cubismo, nem uma coleção de obras-primas conhecidas, mas uma viagem imersiva através de uma obra extraordinária. Revela um artista cuja imaginação transbordou sem esforço através da pintura, escultura, desenho e formas experimentais com uma energia surpreendente.
Distribuída por uma série de galerias impecavelmente projetadas, a exposição reúne cerca de 60 obras importantes que exploram o fascínio de Picasso pela figura humana – desde experimentos cubistas até seus retratos neoclássicos, composições surrealistas e obras tardias ousadamente expressivas.
Amplitude de um gênio, capturada na forma | Crédito da foto: Neeta Lal
Os primeiros retratos de Picasso ainda carregam traços de disciplina acadêmica. Os rostos parecem equilibrados, reconhecíveis, quase obedientes à estrutura convencional. Mas à medida que você avança na exposição, essas regras começam a se dissolver. Mudança de recursos. Fratura dos perfis. Os olhos migram. Os corpos se recusam a permanecer inteiros.
“Picasso nunca tratou o retrato como um exercício de semelhança”, informa o guia. “Para ele, o rosto humano nunca foi fixo, mas fluido – emocional, fragmentado e psicologicamente carregado.” À medida que avançamos pelas galerias, seus retratos tornam-se cada vez mais intensos, fraturados e inquietantes. Torna-se impossível não recordar as suas famosas observações: uma cabeça, observou ele uma vez, é simplesmente uma questão de olhos, nariz e boca – dispostos como quisermos. Essa filosofia ressoa em todas as paredes.
Musas e reinvenção
Um retrato onde a quietude fala mais alto que as palavras. | Crédito da foto: Neeta Lal
Uma das obras mais impressionantes da exposição é “Retrato de uma mulher sentada” (Olga), de 1923. Retratando uma senhora chamada Olga Khokhlova, a pintura oferece um contraste marcante com a experimentação cubista de Picasso. Ela se senta com uma elegância tranquila, o rosto virado suavemente, a expressão composta, mas evasiva.
Após sua imersão na arte clássica e nas obras-primas da Renascença durante viagens pela Itália, Picasso retornou temporariamente a uma linguagem neoclássica mais refinada. O resultado parece quase escultural. Olga parece menos pintada do que esculpida, como uma figura greco-romana suspensa na quietude.
Aqui há ternura, mas também distância. Admiração, talvez, temperada por contenção emocional. Mais adiante na exposição, essa suavidade dá lugar a algo mais ousado. Em ‘Mulher numa poltrona’ (1947), Picasso volta a sua atenção para Françoise Gilot – artista, musa e uma das mulheres que definiram a sua vida posterior. Mas este não é um retrato convencional.
Gilot aparece transformado em algo botânico, quase mitológico. Seu corpo se alonga como um caule, seus membros se ramificam como folhas ou garras e seu rosto floresce em formas semelhantes a pétalas. O trabalho é lúdico, sensual e ligeiramente perturbador – tudo ao mesmo tempo.
Diante disso, começa-se a compreender que Picasso raramente pintava as mulheres como meros indivíduos, mas… Ele os pintou como forças – emocionais, simbólicas, transformadoras. Ao longo da exposição, as influências do maestro revelam-se em camadas – máscaras africanas, mitologia antiga, escultura ibérica e mestres clássicos europeus. Picasso absorveu linguagens visuais de todas as culturas e séculos, apenas para desmantelá-las e reconstruí-las em algo inconfundivelmente seu.
Ao longo da exposição, as suas influências revelam-se em camadas – máscaras africanas, mitologia antiga, escultura ibérica e muito mais. | Crédito da foto: Neeta Lal
No entanto, por baixo da experimentação, outra força começa a dominar silenciosamente: o conflito.
À medida que a Europa mergulhava na violência, o trabalho de Picasso tornou-se mais sombrio, mais nítido e emocionalmente mais pesado. E em nenhum lugar o seu legado é sentido de forma mais poderosa do que nas galerias finais da exposição, onde a sua influência se estende muito além da Europa.
Numa sala escura, preside a monumental “Elegia à minha cidade presa”, do artista iraquiano Dia Al-Azzawi. Longa, horizontal e emocionalmente avassaladora, a pintura ecoa a linguagem visible das obras-primas anti-guerra de Picasso, ao mesmo tempo que fala diretamente sobre a destruição de Bagdá. Figuras contorcem-se em angústia na tela, acompanhadas pelo som assustador da poesia árabe que preenche o espaço.
O efeito é devastador.
É aqui que Picasso, a Figura transforma-se de uma exposição histórica de arte em algo profundo – uma conversa entre continentes e gerações, entre Espanha e Iraque, entre memória e destruição, entre rebelião artística e sofrimento humano.
Quando você volta para baixo da cúpula cintilante do Louvre Abu Dhabi, o museu parece diferente. As famílias ainda estão vagando. Crianças correndo. Telefones elevados para composições perfeitas.
Mas depois de passar algum tempo com Picasso, o próprio mundo parece ligeiramente reorganizado. E talvez isso, mais do que tudo, seja a marca do verdadeiro gênio.
