Fazer o romance de terror estranho ‘Levítico’ foi uma exploração – e uma recuperação

Em “Levítico”, do diretor e roteirista Adrian Chiarella, adolescentes gays de uma pequena cidade da Austrália são perseguidos por um monstro que muda de forma e assume a forma de quem eles mais desejam. Para o cauteloso recém-chegado Naim (Joe Fowl), esse é Ryan (Stacy Clausen), o colega de classe com quem ele rouba beijos em uma fábrica abandonada, tornando perigoso não apenas para os meninos ficarem sozinhos, mas também agirem de acordo com seus sentimentos emergentes.

“Eu queria fazer um filme que abraçasse o medo e a ansiedade de ser um jovem queer com o medo e a ansiedade inerentes a todo filme de terror”, diz Chiarella, cujo impressionante filme de estreia usa o gênero para refletir traumas vividos por pessoas LGBTQ em todo o mundo.

Construído em torno das atuações impressionantes de Fowl e Clausen e produzido pela Causeway Movies (“The Babadook”, “Discuss to Me”, “Carry Her Again”), a mistura tensa do filme de metáfora arrepiante, drama de amadurecimento e romance terno tornou-o um sucesso instantâneo. saia no Competition de Cinema de Sundance, onde ganhou o apelido, embora não totalmente preciso, de “Heated Rivalry” e “It Follows”. (Chiarella, que escreveu e dirigiu para a televisão australiana e chama essas comparações de “encorajadoras”, viu o romance do hóquei enquanto ele estava na pós-produção: “Quem não viu?”, diz ele com um sorriso.)

Neon adquiriu o filme de Sundance e estreia o filme na sexta-feira, adicionando outra estreia imperdível a um ano marcante para novas vozes de terror após “Obsession” de Curry Barker e “Backrooms” de Kane Parsons. O “Levítico” socialmente apontado também chega com maior gravidade em um momento em que o apoio aos direitos LGBTQ tem visto um marcado retrocesso nos EUA

Fowl estrela como Naim, de 17 anos, que acabou de se mudar para uma triste comunidade conservadora com sua mãe religiosa Arlene (Mia Wasikowska, fazendo um retrato arrepiante da cumplicidade dos pais após uma ausência de três anos da tela), uma viúva recente que encontrou consolo em uma igreja native. Quando alguns namoros entre pessoas do mesmo sexo entre os adolescentes da congregação são expostos – incluindo o envolvimento de Ryan com o filho do pastor – um “curandeiro libertador” (ator cult Nicholas Hope) é contratado para realizar um ritual para livrar os jovens da cidade de seus pecados. Só que, em vez de exorcizar demônios, o rito amaldiçoa os meninos com uma entidade merciless que imita a pessoa com quem eles querem estar e exige uma punição esmagadora se eles sucumbirem à tentação.

Chiarella, 45 anos, residente em Melbourne, se apaixonou por filmes enquanto crescia em Sydney, com um pai italiano e uma mãe chinesa que o expôs a grandes nomes do cinema asiático, como Wong Kar-wai, ao lado de clássicos de terror como “The Factor”, de John Carpenter, os filmes “Nightmare on Elm Avenue” e “Treatment”, de Kiyoshi Kurosawa. Todos eles influenciariam mais tarde a atmosfera visceral de romance, paranóia e pavor de “Levítico”. Trabalhando inicialmente como montadora de filmes com artistas como Baz Luhrmann, Chiarella sonhava em dirigir e começou a fazer curtas-metragens, mas nunca deu o salto completo.

Então, em 2016, seu pai morreu. Chiarella questionou o que ele queria fazer da vida. “Pensei: quais são as histórias que quero contar? E comecei a escrevê-las”, diz ele durante um bate-papo por vídeo, de volta a Sydney para a estreia australiana, antes de embarcar em uma turnê de imprensa pelos EUA.

“Pensei: quais são as histórias que quero contar? E comecei a escrevê-las”, diz o diretor Adrian Chiarella.

(Christopher Patey/For The Instances)

Chiarella tinha aprendido sobre os “exorcismos” modernos realizados em jovens queer em todo o mundo e, também com base nas suas próprias experiências, decidiu contar uma história que examinava a homofobia como o seu medo central. A princípio ele considerou uma versão estranha de “O Exorcista”, mas descobriu que suas tentativas estavam reforçando as mesmas visões tóxicas que ele tentava subverter – “que é que existe um demônio homosexual dentro de você”, diz ele.

Então ele começou a fazer uma reviravolta, pousando em um monstro que é usado por uma comunidade opressora como ferramenta de coerção. Em “Levítico”, o mal não é a homossexualidade em si, mas uma força sobrenatural conjurada para assustar os jovens LGBTQ e internalizar seu medo e vergonha. Pode ser lido como uma alegoria direta para a terapia de conversão e para outras formas pelas quais a homofobia pode alterar o comportamento e causar danos psicológicos e emocionais duradouros. Ceda aos seus sentimentos e arrisque a sua segurança; reprima seu verdadeiro eu e você poderá sobreviver. Mas a que custo?

Chiarella orgulhosamente coloca “Levítico” dentro de uma tradição de arte queer que sempre existiu no terror, de Mary Shelley a FW Murnau e além. “Muitos deles exploravam a alteridade e a autodescoberta por meio dos arquétipos do gênero porque period uma forma de expressá-lo em uma época em que essas ideias eram tabu”, diz ele. “Com este projeto queríamos recuperar uma parte desse gênero.”

Criado em Adelaide, Fowl conhecia bem o terror, tendo feito uma reviravolta surpreendente no sucesso adolescente dos irmãos Philippou, “Discuss to Me”, quando tinha 15 anos. Ao receber o roteiro de “Levítico” de Chiarella enquanto estava em Sydney, em um ônibus para Bondi Seaside, ele ficou tão absorto em lê-lo que imediatamente perdeu sua parada.

“Foi um dos roteiros mais autênticos, crus e honestos que já li”, diz Fowl, 19 anos, durante um bate-papo por vídeo em Los Angeles. “Todo ator tem aquele pressentimento quando lê algo e pensa: isso é especial e preciso fazer parte disso. Esses personagens eram tão multifacetados e complexos – eles simplesmente pareciam humanos. E isso é importante porque quando eles parecem reais, você se preocupa com os personagens e com o que a história está tentando dizer.”

A audição de Fowl, expondo a vulnerabilidade cautelosa de Naim com um naturalismo crível, imediatamente chamou a atenção de Chiarella. “Ficava evidente que ele tinha essa autenticidade e se sentia um verdadeiro adolescente, algo muito difícil de encontrar”, diz Chiarella. “Joe foi capaz de ser ele mesmo e se entregar totalmente a esse personagem, e eu pude ver isso nesta primeira fita.”

“É emocionante ver as pessoas chegando e dizendo: ‘Eu gostaria de ter feito esse filme quando period mais jovem’”, diz a atriz Stacy Clausen, à esquerda, com Joe Fowl.

(Christopher Patey/For The Instances)

Em Clausen, 21 anos, ele e a diretora de elenco Nikki Barrett encontraram um ator com alcance que poderia enfrentar o desafio de um papel duplo altamente inside e extremamente físico como Ryan e seu duplo sobrenatural. Durante os workshops de elenco, ele e Fowl gravitavam naturalmente um em torno do outro. “Assim que Joe e Stacy estiveram juntos nas cenas, ficou claro que eles tinham uma química inegável que poderia formar o coração deste filme”, diz Chiarella.

Os atores passaram um tempo forjando o tipo de carga íntima que poderia ser sentida em olhares sem palavras entre seus personagens enrustidos. “Sabíamos que a história de amor period o coração do filme e se a história de amor funcionar, o terror funcionará”, diz Fowl. Viajando pela região de Victoria com Chiarella, eles compraram presentes de US $ 10 um para o outro e fugiram juntos, praticando esconder a conexão de Naim e Ryan de todos ao seu redor.

E um momento desconfortável em um procuring também deu uma ideia de como o mundo exterior poderia tratar a dupla.

“Estávamos neste procuring heart como Ryan e Naim e havia esses meninos olhando pelo canto dos olhos”, lembra Clausen, deslizando para um canto tranquilo no Mirate em Los Feliz depois de se reunir com Chiarella e Fowl em Los Angeles para apresentar uma exibição especial. “E eu pude literalmente ver alguém me olhando de soslaio e me julgando. Deixar isso cair e sentir isso foi muito útil quando se tratava de traduzir isso para a câmera.”

Nomeado em homenagem ao livro da Bíblia que contém uma passagem muitas vezes interpretada como demonização da homossexualidade, “Levítico” usa motivos da natureza em conflito com a ruína industrial provocada pelo homem para convidar o público a questionar de onde vêm as noções repressivas da sociedade sobre a homossexualidade. O diretor de fotografia Tyson Perkins captura maravilhosamente a paisagem agreste do mundo de Naim em paisagens rurais marcadas por linhas de energia feitas pelo homem e refinarias de petróleo em chamas, filmando com lentes anamórficas widescreen que engolem Naim e Ryan em seu ambiente hostil.

Chiarella também presta homenagem à história queer na tela. Uma cena mostra Naim e Ryan separados por uma porta de tela, uma homenagem intencional à obra-prima erótica de Jean Genet, “Un Chant d’Amour”, de 1950, na qual dois prisioneiros expressam seu desejo um pelo outro através de uma parede compartilhada. Outra sequência comovente, na qual Ryan é brutalmente atacado por uma força invisível, é encenada dentro de uma cabine fotográfica, “inspirada no fato de que as cabines fotográficas costumavam ser o único espaço seguro para os homens se reunirem e explorarem sua intimidade uns com os outros”, diz Chiarella.

No centro dolorido do filme está a ligação romântica entre os meninos que se recusa a morrer mesmo diante de ataques sangrentos, traições dolorosas e até mesmo incerteza entre os dois. “A essência deste filme foi uma exploração do trauma queer”, diz Chiarella. “Tinha que haver uma sensação de que, às vezes, quando você experimenta a homofobia, ela pode ficar profundamente enterrada e se tornar algo que você carrega consigo por muito tempo.”

Provavelmente a frase mais romântica do ano ocorre quando um garoto diz ao outro que, se for assombrado, “quero que se pareça com você”. Chiarella ouviu um sentimento semelhante em sua vida pessoal. “Às vezes, quando estou saindo, principalmente com gays, surge essa conversa, quase como um jogo de jantar”, diz ele. “Se eles tivessem uma pílula que pudesse deixar você heterossexual, você a tomaria? E alguém deu a resposta mais romântica, que foi: ‘Eu não faria isso, porque então não estaria com meu parceiro'”.

Portanto, period importante que algum consolo contrabalançasse os horrores que Naim e Ryan vivenciam. “Espero que o que as pessoas possam aprender com o filme seja que estejam escolhendo viver com esperança e não com medo”, diz Fowl. Uma faixa que ele ouviu repetidamente durante as filmagens, “Self Management”, de Frank Ocean, entrou no filme depois que Chiarella escreveu uma carta sincera ao cantor, sua inclusão adicionando uma nota de graça agridoce à incerteza que permanece.

Nas últimas semanas, os cineastas e Neon abraçaram um fandom on-line que já fez edições virais no TikTok e fan artwork do romance dos personagens antes mesmo do filme ser lançado. Chiarella, Fowl e Clausen também valorizam as reações emocionais que ouviram do público inicial.

“É reconfortante ver as pessoas chegando e dizendo: ‘Eu gostaria de ter feito esse filme quando period mais jovem’”, diz Clausen. “Ver casais gays chorando e dizendo obrigado é incrível e é por isso que você faz isso. A melhor sensação do mundo é saber que confortamos alguém.”