TA música dos primeiros anos do cinema desempenhou um papel essential na forma como o público – com um pianista ou organista ao vivo fazendo a trilha sonora do filme mudo – vivenciava as histórias na tela. Mas foi só com o advento do som sincronizado que eles tiveram a garantia o mesmo experiência musical.
Mesmo aquele momento, amplamente considerado o Don Juan de 1926 – um filme mudo – não period uma verdadeira trilha sonora. A Warner Bros utilizou o sistema Vitaphone, essencialmente uma gravação em disco que period reproduzida com a imagem. O mesmo sistema foi usado em The Jazz Singer, de 1927, o primeiro filme em que as vozes também foram sincronizadas com a imagem. A reprodução de um disco em imagem não period confiável e não demorou muito para que a música pudesse ser impressa diretamente no celulóide do próprio filme e a trilha sonora propriamente dita nascesse.
A música cinematográfica como a conhecemos rapidamente se estabeleceu no início da década de 1930. Isto deveu-se em grande parte aos compositores emigrados europeus que trouxeram consigo um talento estilístico e uma estrutura narrativa nascida da ópera, da sinfonia e do music corridor. Seguiram-se Tin Pan Alley e compositores da Broadway, aumentando a rica musicalidade que seria a base da música de Hollywood nos anos seguintes. Hoje, quase um século depois, os princípios básicos do que é a trilha sonora musical de um filme e como ela funciona permanecem relativamente inalterados. Mas o que impulsionou a forma de arte e mudou a maneira como ouvimos filmes?
Nascer do sol: uma canção de dois humanos (1927)
O grande cineasta expressionista alemão FW Murnau realizou este filme vencedor do Oscar em Hollywood a convite do produtor William Fox. Embora seja considerado uma entrada tardia na period do cinema mudo, em grande parte graças ao uso de intertítulos no lugar do diálogo, foi tratado com efeitos sincronizados e trilha musical, cortesia do inovador sistema Movietone da Fox. Pela primeira vez, os elementos sonoros de um filme foram impressos opticamente diretamente no filme. O público teria ouvido músicas gravadas de nomes como Chopin e Gounod.
Rei Kong (1933)
Embora ele já tivesse começado uma série de filmes antes disso, a maioria deles sem crédito, o austríaco Max Steiner refinou exatamente como uma trilha sonora de filme poderia funcionar com este clássico para RKO. Sua aplicação meticulosa da orquestra para atender questões de narrativa musical, estrutura, cenário e nuances emocionais foi uma grande parte do impacto e sucesso do filme. De fato, Rei Kong foi a base e a estrutura sobre a qual toda a música sinfônica dos filmes de Hollywood que se seguiu foi construída e, em alguns aspectos, ainda é.
Cidadão Kane (1941)
A estreia de Orson Welles na direção de um longa-metragem foi a primeira trilha sonora do compositor Bernard Herrmann. Ambos trabalharam em dramas de rádio em Nova York; em Hollywood, a voz de Herrmann period singular, cercado como estava (com exceção de nomes como Alfred Newman) por compositores europeus. Para Kane, Herrmann estabeleceu sua barraca, evitando a paleta sinfônica melosa de “Hollywood” de seus pares e, com um senso aguçado de drama, criou um mundo sonoro sob medida para o filme, enfatizando o clima e a atmosfera.
Selva do quadro negro (1955)
Houve alguns pregos no caixão para a música sinfônica tradicional de filmes, e Blackboard Jungle foi o primeiro. Licenciado pela MGM Rock Around the Clock, gravado por Bill Haley and His Cometscomo principal fio condutor do filme. A trilha sonora de uma história sobre adolescentes indisciplinados em uma escola do centro da cidade, e sua popularidade causou muita ansiedade nos pais que temiam a influência dela (e da música). A música se tornou um sucesso international e os estúdios perceberam como a música poderia ajudar a promover seus filmes. As partituras de jazz brand se seguiram.
Planeta Proibido (1956)
Anos antes da fundação do BBC Radiophonic Workshop, o casal pioneiro Louis e Bebe Barron estava criando sons sobrenaturais para fita magnética. Hollywood flertou com sons eletrônicos, principalmente o teremim – conforme usado por nomes como Dimitri Tiomkin em The Factor from One other World e Herrmann em The Day the Earth Stood Nonetheless (ambos de 1951). Para o Planeta Proibidono entanto, os Barrons criaram a primeira trilha sonora de filme totalmente eletrônica. A confusão de efeitos e música surpreendeu e encantou o público e inspirou uma nova geração de compositores.
Café da Manhã na Tiffany’s (1961)
A música pop e o jazz infiltraram-se verdadeiramente nas trilhas sonoras de filmes na década de 1960, e um de seus maiores proponentes foi o compositor Henry Mancini. Com Breakfast at Tiffany’s, Mancini agradou infinitamente os produtores ao criar não apenas um hit (Moon River), mas também uma trilha sonora totalmente de sua época. Mancini tinha um talento para o “pop sinfônico”, combinando as tradições melódicas do passado com os sons otimistas do novo. Pessoas como o Hatari de Mancini! (1962), Charade (1963) e The Pink Panther (1963) se beneficiaram desse caldeirão musical.
2001: Uma Odisséia no Espaço (1968)
Foi uma espécie de reviravolta do destino que nos deu uma das trilhas sonoras de filmes mais brilhantes e impactantes de todos os tempos. O compositor Alex North escreveu uma trilha sonora unique para a obra-prima de ficção científica de Stanley Kubrick, mas ela acabou sendo descartada. O diretor aparentemente passou a gostar muito das peças clássicas que vinha usando nesse ínterim. Você tem que sentir pena de North, mas é difícil imaginar o brilhante filme de Kubrick sem sua poderosa mistura de Ligeti, Richard Strauss, Khachaturian e Johann Strauss II.
Grafite Americano (1973)
Antes de nos dar Star Wars, o escritor/diretor George Lucas teve outro sucesso na forma de Grafite Americano. Ele captura uma noite na vida de um grupo de adolescentes da Califórnia enquanto eles ouvem rock’n’roll, carros de corrida e meditam sobre a vida e o amor. O filme traz mais de 40 músicas da época, cada uma cuidadosamente posicionada dentro da narrativa do filme, e ouvida nos rádios dos carros ou nas lanchonetes. A popularidade do filme, para não mencionar a sua álbum de trilha sonora no topo das paradasinspiraria uma nova onda de trilhas sonoras lideradas por músicas.
Guerra nas Estrelas: Uma Nova Esperança (1977)
Por mais que American Graffiti, de Lucas, fosse um dos focos da música sinfônica de filmes, seu sucesso de ficção científica de 1977, Star Wars, foi um tiro no braço. Por recomendação de Steven Spielberg, Lucas abordou o compositor John Williams para escrever a música para o que deveria ser um pastiche amoroso de uma época passada. Williams prontamente colocou a língua na bochecha e criou um partitura sinfônica à moda antiga com acenos de cabeça para Holst, Walton e Korngold. No remaining das contas, Williams fez Hollywood e o público se apaixonarem novamente pela orquestra sinfônica.
Maré Carmesim (1995)
Hans Zimmer virou a música dos filmes de Hollywood de cabeça para baixo e Crimson Tide é o ápice desse momento. Foi uma vitrine inicial para o tipo de som enorme e quase inflexível que conhecemos do compositor alemão. A música eletrônica sempre esteve no centro do que Zimmer period como artista, mas sua fusão com o peso emocional do mundo actual dos músicos orquestrais e do coro (como aqui) é algo que ele realmente tornou seu. E com isso nasceu o som da música moderna dos filmes de Hollywood.
