Uma estrela pop precisa de uma reforma em ‘Mom Mary’, mas um vestido continua atrapalhando

Em 2024, “The Brutalist”, de Brady Corbet, usou a arquitetura como uma metáfora para o próprio cinema de Hollywood – a agitação necessária para criar algo de alcance épico, infundido com uma história pessoal, mas, em última análise, dependente de patrocinadores que poderiam explorar os artistas em vez de apoiá-los. Pode-se argumentar que “Mom Mary” é uma tentativa semelhante do autor independente David Lowery, no sentido de que é um filme que explora os riscos pessoais da colaboração criativa, desta vez usando o estrelato pop como substituto para jogar o jogo de Hollywood.

Quando feita em grande escala industrial, a arte exige uma equipe, sempre com o risco de colaboradores significativos se sentirem descartados ou ressentidos. Lowery explora essa ideia em profundidade em “Mãe Maria”, ao mesmo tempo que sugere que esses mesmos sentimentos feridos podem ser uma fonte de energia criativa, extraída do coração, colocada na mesa e moldada em algo lindo. É um processo confuso, humano e complicado.

“Mãe Maria” é um sonho febril fantasmagórico de uma ópera pop gótica, mas também é um filme de conversação de cenário único que coloca dois de nossos atores mais hipnotizantes um contra o outro em um pas de deux verbal de acusações prolixas e traições enterradas.

O ícone da música internacional Mom Mary (Anne Hathaway) aparece na propriedade inglesa do famoso estilista Sam Anselm (Michaela Coel), sua ex-figurinista. Mary está enlameada e molhada, implorando por um vestido para sua apresentação de retorno em alguns dias. Apesar da raiva latente de Sam pela forma como as coisas terminaram entre eles, ela arrasta Mary para um velho celeiro para uma prova, onde eles resolverão seus problemas, quer Mary queira ou não.

Lá, Sam libera resmas e resmas de monólogos reprimidos sobre seu passado, enquanto uma Mary chorosa preenche algumas lacunas. Freqüentemente cortamos para apresentações de concertos e flashbacks que as mulheres assistem como peças de teatro no celeiro. Maria dança; Sam confessa que não ouve sua música há anos, praticamente cuspindo veneno em sua ex-amiga.

Isso continua até que você implora internamente a Lowery para ir direto ao ponto. E então, de repente, ele o faz: Esta é uma história de fantasmas, uma história de possessão. Mas já sabíamos que estava indo para algum lugar perigoso desde o início, graças às imagens granuladas do que parece ser um incidente violento no palco e um aviso de que o primeiro hit de Mom Mary, “Burial”, é uma “maldição”.

O filme finalmente faz a transição do tête-à-tête emocional para a peça de gênero que foi prometida, quando Sam e Mary descobrem que viram o mesmo fantasma: uma horrível visão espectral vermelha. O espírito entra em Mary durante uma sessão de aniversário facilitada por uma conhecida, Imogen (FKA twigs), e ela não consegue se livrar dele.

O fantasma escarlate transparente do filme lembra o psicodrama de moda de 2018 de Peter Strickland, “In Material”, no qual Marianne Jean-Baptiste é atormentada por um vestido vermelho assombrado, bem como o remake de “Suspiria” de Luca Guadagnino, repleto de dança moderna distorcida e vísceras corporais.

Também é possível refletir sobre “A Ghost Story” do próprio Lowery, sobre como o passado perdura, mas a comparação mais óbvia é com a extravagância de posse pop “Smile 2”, em que Naomi Scott interpreta uma cantora invadida por um demônio insidioso com um sorriso característico. No entanto, “Smile 2” é mais corajoso e coerente do que o cerebral e temperamental “Mom Mary”. Seu novo single pode se chamar “Spooky Motion”, mas apesar de alguns momentos sangrentos, não há muita ação assustadora no filme como um todo.

Lowery está mais interessado na natureza das relações criativas e na desigualdade inerente ao que significa fazer arte nesta escala. Naturalmente, os próprios colaboradores artísticos de Lowery estão atirando em todos os cilindros, desde a cinematografia exuberantemente surreal de Andrew Droz Palermo até canções originais de FKA twigs, Jack Antonoff e Charli XCX, apoiadas por uma trilha sonora de Daniel Hart.

Tudo certamente enfeitiça, mas a narrativa se transforma em uma bagunça atmosférica interpolada com muitas imagens de Hathaway assaltando e posando. Não há dúvidas sobre o talento em exibição. Coel é um dos nossos artistas de cinema mais hipnóticos e, se Hathaway tivesse decidido colocar seus talentos prodigiosos na música pop em vez de atuar, ela seria uma de nossas principais artistas. Seus momentos como Mãe Maria se apresentando ao vivo são tão fantásticos que deixam você querendo mais – dela, mas não necessariamente deste filme árduo.

Katie Walsh é crítica de cinema do Tribune Information Service.